Compuesta en 1821. Tres movimientos.
"El genio está compuesto por un 2% de talento y un 98% de constante perseverancia." –L. V. Beethoven.
Información e InscripciónLa más cálida de todas las sonatas tardías de Beethoven.
¿Por qué? Bueno, para comenzar con lo obvio, en una sonata tardía, donde esperarías ambigüedad, innovación estructural radical, contrapunto retorcido, un primer movimiento convencional, con un tema tan simple y sin adornos, su única garantía, en realidad, es su belleza. El desarrollo no es simplemente simple sino conscientemente minimalista, y el cambio hacia y desde Mi Mayor en la recapitulación es exquisitamente hermoso.
También está la rigidez estructural de la sonata. Los primeros compases de la sonata se convierten en el tema de la primera fuga en el último movimiento y, en forma invertida, también en el tema de la segunda fuga. La frase inicial del segundo movimiento scherzo, también se transforma en el arioso del movimiento final. Así que Beethoven no solo cambia el enfoque de la forma de la sonata del primer movimiento al último, o incluso usa el movimiento final para unificar los otros dos; en esta sonata, el movimiento final es donde los temas presentados en los otros dos realmente toman vuelo, y el movimiento final está construido casi en su totalidad en torno al material ya presentado.
En el último movimiento, se presenta el uso más sofisticado de contrapunto de las 32 sonatas, no porque la escritura contrapuntística sea ingeniosa, que lo es, las Sonatas No. 28 y No. 29 también lo tienen, sino por el uso del contrapunto (quizás por primera vez en historia musical) como parte de una narrativa dramática. El movimiento final es básicamente una lucha entre el tema arioso, que no es simplemente triste sino aplastantemente desesperado (dolente = doloroso, dolorido, ermattet = agotado) hasta el punto de que se rompe literalmente la segunda vez que se presenta, y la fuga, que irradia una fuerza interior y un consuelo.
Al final, la fuga gana, pero de una manera extraordinaria. La segunda fuga no sólo adquiere una forma triunfante, se quema y desaparece. A medida que la textura se espesa e intensifica con inversiones y presentaciones simultáneas de aumentos y disminuciones, de repente solo hay dos voces en duelo en éxtasis, con el cambio a 2 voces en, llegando incesantemente a niveles más altos, y de repente hay una sola voz, el tema principal se derrama en un gran coral, un tema que salta de su propio abismo de contrapunto, y cuando finalmente se libera resuena con una especie de alegría que debería ser imposible después del arioso, pero de alguna manera no lo es. Y debido a que el tema de la fuga es realmente los primeros compases de toda la sonata, la sonata tiene una forma cíclica de final abierto, con el movimiento básico a lo largo de toda la pieza desde el lirismo (la apertura) hasta la esperanza (los compases finales).
Beethoven probablemente todavía se estaba recuperando de un período prolongado de enfermedad. Este es el período durante el cual compuso la Missa Solemnis, la obra que Beethoven declaró como su mayor logro. Su filosofía, tal como se expresa en cartas y libros de conversación escritos durante este tiempo, fue el de querer servir a la musa sólo con las obras más elevadas, y que todas las obras que se escribieron para atraer a un mercado "popular" se crearon sólo para proporcionar un sustento modesto. En realidad, el compositor continuaba pagando la educación de su sobrino Karl.
El autógrafo lleva la fecha del 25 de diciembre de 1821, que se cree que es el día en que el compositor completó el trabajo. La sonata fue publicada por Schlesinger en julio de 1822 en Berlín y París, Steiner en Viena, Clementi en Londres. Un segundo autógrafo que contiene los pasajes del Adagio, ma non troppo hasta el final de la obra. Se cree que han sido preparados por el compositor para corregir errores en las publicaciones de Schlesinger. La primera edición de Londres muestra una dedicatoria a Antonie Brentano, y hay correspondencia del compositor a otras editoriales indicando que se suponía que esta dedicatoria también estaba en sus publicaciones. Muchos estudiosos creen que Antonie fue el objeto de la famosa carta de amor de Beethoven de 1812 a la Amada Inmortal, un documento que aparentemente nunca fue enviado por correo pero fue encontrado entre las pertenencias de Beethoven después de su muerte. Posteriormente Beethoven dedicó las variaciones Diabelli para ella. Casi todas las ediciones posteriores de esta obra no tienen la dedicación.
Junto con la sonata no. 30, esta es el más frecuentemente realizada de las cinco sonatas tardías. Contiene improvisación de tipo recitativo y escritura de fugas. El tercer movimiento combina un movimiento lento y una fuga en una estructura que es a la vez desafiante y elevadora, pasando de la desesperada profundidad de las secciones arioso a un gran clímax final que es glorioso en su afirmación.
El esquema melódico de la apertura del primer movimiento pronostica el tema de la fuga.
El tema del segundo movimiento, han observado algunos, es un inversión libre de la melodía de apertura del primer movimiento; eso también se puede pronosticar la línea descendente del arioso.
El primer tema se establece mayormente con soporte armónico, luego expandido en una línea de canto con una semicorchea de acompañamiento.
Arpegios de 1/32, marcados con un staccato en cada conjunto de cuatro, para formar una transición a la segunda área temática.
La segunda área temática está en la tradicional dominante, Mi♭ mayor.
La primera frase del tema de apertura se repite en la mano derecha, moviéndose a través de fa menor, re♭ mayor, y re♭ menor.
El primer tema es asistido por un extenso cambio de rumbo que se desarrolla en re♭ mayor a partir del compás 63 y pasa a mi mayor con un cambio de firma de tono. Los arpegios de transición y la primera frase del segundo tema permanecen en mi mayor.
Un compás de transición vuelve al tono de inicio, y se desarrolla el resto de la segunda área temática.
Una coda surge del pasaje final de la segunda área temática. Incorpora un retorno de la transición de arpegios, así como fragmentos de la frase inicial del primer tema. El movimiento termina en silencio.
El estado de ánimo de este movimiento, que tiene fama de ser derivada de una conocida canción para beber.
Se repiten los primeros ocho compases. La segunda seccion consta de cuatro juegos de ocho compases cada uno, repetidos con primeras y segundas terminaciones.
La sección del trío presenta un pasaje irregular y dificil para la mano derecha sobre una línea de bajo sincopada en el mano izquierda, principalmente en grupos de ocho compases.
El da capo escrito repite ambas secciones, la primera sección se repite siendo escrita para incorporar una ritardando en cuatro compases.
Una coda presenta acordes sincopados y compás largo, descansa y se resuelve en fa mayor, posiblemente para actuar como la dominante de la frase de apertura del siguiente movimiento, que está en re♭ menor.
Adagio ma non troppo es de carácter libre y presenta varias áreas de tonalidad, patrones rítmicos y tempos.
Después de abrir en re♭ menor, se mueven tres compases a un recitativo que se eleva a una dominante menor con novena construida sobre Mi♭. Luego un acorde de tres progresiónes marcadas como Andante conduce a un Adagio con una sonoridad prolongada en un si mayor-menor y acorde de séptima en la mano izquierda, sobre la cual la séptima se repite en notas de 1/16 y 1/32.
Esta sección de la♭ menor está en 12/16 y está marcada Adagio ma non troppo.
Una fuga a tres voces en La♭ mayor con un compás de 6/8 la firma se abre con un sujeto que parece estar dibujado de la frase inicial del primer movimiento de este trabajo. La duplicación de octava en la línea más baja mejora el clímax final de la fuga.
Una llamativa modulación en sol menor allana el camino para la repetición del arioso con pequeñas variaciones melódicas, la sonoridad inferior de semitono que refleja la indicación Ermattet, klangend (agotado, triste).
La sección final está marcada L'istesso tempo della Fuga, poi a poi di nuovo vivente (el mismo tempo que la fuga, poco a poco con una nueva viveza). El sujeto asciende desde el registro más bajo hasta el más alto, subiendo más y más alto aumentando la sonoridad y la exaltación. Este notable pasaje trascendental culmina en un La♭ mayor que proclama una victoria espiritual rotunda sobre las fuerzas oscuras de las secciones arioso precedentes.
